面對當代藝術的生發，我選擇做一個邊緣地帶的守望者，遠近皆由自控。
——譚平
【編者按】藝術家譚平35年的創作歷程，不僅僅是個人的，同時又可以作為中國當代藝術群體正在發生、演變的參照。自70年代的寫實繪畫始，轉向抽象藝術的探索，進而從抽象逐漸走向觀念的空間關係，不僅和展覽空間有關，同時也指向心理空間，以及作品與觀眾之間的多重雜糅的關係，也恰恰投射著中國社會轉型中，日益混雜、多元的碎片化現實。
“現在藝術家每個階段都可能呈現完全不同的變化。因此，現在風格面貌越多，藝術家也就更有生命力，不再固化風格。”譚平從個人的創作體驗有感而言。
“一個藝術家一直不太成功，其實也挺好的，遠離市場的左右，藝術的獨立性就變的比較強。”在譚平看來每位藝術家在某個階段獲得成功後，都希望能夠有所突破，風格固化的原因常常會有市場的因素。
“無論是西方的當代藝術還是設計藝術，都和自身的文化傳統，以及現實的生存環境等問題相互結合。我們就是生存在非常混雜的社會現實中，所以創作出的作品也是如此。” 1989年到1994年譚平去德國學習的那段時間對自己的文化身份格外的關注，使作品更具文化身份的屬性。
在全球化的背景下，東西方藝術相互間有著潛移默化的影響，在譚平看來美國抽象表現主義受書法和禪宗的影響，如同中國當代藝術深受西方當代藝術的影響。都會隨著時間的推移逐漸的轉化為觀眾自己的文化。
我試圖讓自己的作品永遠處於未完成的狀態，與我能夠一直保持密切的關聯。
——譚平
2014年開始，譚平的創作刻意融合空間、時間、行動和在場等要素，“場域繪畫”成為其重要的創作形式。他將畫室未完成的“作品”有計劃地置入特定的展示空間，藝術家在現場佐以身體律動，將畫面中的色塊和線條向畫外的白牆蔓延，畫面與白牆之間有縫合，有滲透，有對空間尺度的考量，也有預謀的失控。消解畫面邊緣逐步成為譚平創作的核心。
由著名美術史家、藝評家巫鴻擔任策展人，余德耀美術館將於2019年6月15日推出藝術家譚平的回顧展“雙重奏”，展覽將呈現的40余件繪畫、版畫、場域繪畫及視頻，是對其35年創作生涯基於當下的一次回溯和梳理。作品追溯藝術家的成長、生活和思考歷程，經由個體生命的經驗和視角觀察其個人藝術的演變。
譚平與雅昌藝術網談及此次回顧展時說：“回顧展並不是線性時間的回顧，而是整體看作品背後一致的關係。”“雙重奏”不以時間性的單向邏輯呈現，而是以藝術家特有的思維和工作方式切近對語言和現實的理解。
如策展人巫鴻在前言中所闡述的：“一刀刻出的40米簡潔白線,紛紜圖像交織成的時空疊層:這是本展第一展廳呈現給觀眾的兩個突兀意象，也是策展核心理念的視覺概括。既對立又互補,這兩個意象凝聚了譚平30余年的藝術探索一一個充滿線條和色彩.形象和旋律、行動和思考、‘頓悟’ 和‘漸悟’的互動與深化的歷程。而在這一歷程中起到關鍵作用的，則是油畫和版畫之間連綿不斷的‘雙重奏’。”
“雙重奏”：一種觀察方法
“從至少兩個角度去看一件事，就能很快分析清楚。藝術創作也一樣，盡量能融到關係當中，作品僅僅作為連接點的角色。作品能否讓大家感受到好，要看藝術家創作過程中是否想過不同的觀眾如何看。所以我那些與空間發生關係的作品，會考慮觀眾進來後怎麽看，站在哪個角度看，遠看怎麽樣，近看怎麽樣。考慮整個展覽的作品和觀者的關係，才會去布展。”這種觀察方法對於譚平而言也是“雙重奏”。
在譚平的作品中圖像變得越來越少，畫面也越來越具有未完成感，其中最重要的是作品與空間的關係。“繪畫的完成感已經被解體了，一塊黑，或者是幾根線。但是這些永遠是開放的。只有掛在那個空間裡和另外的作品產生了關係，才算完成。也就是作品與空間產生關係的時候才能完成。如果還不夠，我就在牆上再畫一畫。”
在他看來這種開放性和未完成性，使作品變得特別有活力，具有更多的可能性。“作品在工作室，它就是未完成的。只有進入一個空間，布完展，再重新掛上牆，才變成新的作品，在原來展的時候完全不一樣。”同樣一件作品在工作室內與在不同的展廳裡是完全不同的。這些在工作室裡出來的作品像零件一樣，被譚平在新的空間裡與其他作品重新並置、組合產生新的關係。
雙重性格：一種工作方法
每個觀念的形成都是個人化的，在藝術家解決問題的行動中逐漸形成的。也就是“沒有藝術只有藝術家”。
“最終作品還是和人的特性有關係。我算是雙重性格的人，所謂雙重既有繪畫和版畫的語言上;還有創作中既有感性，又要有理性。”譚平作品的感性包括下一筆的狀態，色彩變化，把生活中的種種情緒體驗，在作品中表現出來;理性部分有特別程序化的工作方法，一些像“彳亍”系列的觀念性作品。但現在工作的方法和情緒的變化也都慢慢交織在一起，越來越不想分離開。
2016年元旦，譚平在燕郊的畫室畫了一張抽象作品，當時覺得挺好。2018年又拿出看的時候，感覺好像是不太夠，又開始畫，最初體現覆蓋的概念，能感受到不同時間段的心理狀態，還是很強烈的，形成了《覆蓋》系列。“現在不再強調“覆蓋”的概念了，就是感覺由於有了兩種東西合在一起作品比原來的張力要強得多。”兩個不同時間段產生的心理情緒，留在了同一件作品上。對譚平而言是產生了一個新的心理空間的對照，是另一種心理的“雙重奏”。
空間與時間之於我，前者是創作的外在場域，後者則是內在能量的載體。
——譚平
此次展覽整體呈現的兩條線索也是“雙重奏”。一條線是抽象繪畫;另一條是版畫。對於譚平這兩種語言方式，同樣重要，不分主次，展覽的主題之所以是“雙重奏”，有兩條線共同交替行進的因素，展覽的呈現也是繪畫和版畫交替出現。
第一個空間，整個建築空間是55米長，9米多寬，是一個長廊式的展廳。一面牆以不同時期的繪畫為主，對面的作品“+40m"是2012年譚平在中國美術館舉辦“1劃”(ALine) 展覽時為圓廳40延米空間特別創作的作品。面對圓廳這樣一個具有經典與權威象徵的空間，選擇頑童般破壞式的“一劃”，既是藝術觀念的呈現，也是極具挑戰的行動。作品採用了單純而原始的木刻版畫形式刻製，一把圓口木刻刀，歷時6小時，全神貫注，一氣呵成。刻刀與木板接觸的瞬間如同劃開彈性的皮膚，徐徐行刀，不斷前行，刀我合一，在沉入生命的“時刻”留下無數令人欣喜的節點與瞬間。
7年後的今天，“+40m"在長達55米通道般的空間再次完整呈現，必將有一場不同於圓形空間的觀展體驗。觀者必須從筆直的通道空間a端，跟隨譚平的身心。律動與作品同行徑直走向作品深處與遙遠的b端重合，體驗特定時空中生命的在場。
“曾在中國美術館圓廳展出的‘一劃’，這根線與圓的任何一點是可以保持同等的距離。但是這次的空間是一個長通道，永遠都是從一頭看向另外一頭，觀看的方式，概念的理解和中國美術館的圓廳展示完全不同。現在‘一劃’已經作為一個檔案來展示了，都是展其中的10米，但用不同的空間重新表現。”譚平又賦予這件作品一次新的生命。為此專門做了個藝術項目，強化刻的過程，強調同步的效果。
在我的主觀意志中，畫面的被“覆蓋”是一個自我清理的過程。藉由色彩對線條的繁複“覆蓋”，促使我逐漸遠離對生命微觀狀態的關注，轉而面對宏觀世界的持續生成與不斷變化。——譚平
第二個空間是樓下的現場繪畫。作品在工作室完成一部分，進入空間布展之後再繼續畫到牆上，和這個空間產生非常緊密的關係，與整體空間成為一件作品。
在譚平看來“隻強調覆蓋和‘畫’這個行動的過程。感覺繪畫更沒有目的性，這個比較有意思。”
之前在蘇黎士Helmhaus美術館，香港獅語畫廊，以及丹麥霍森斯現代美術館，譚平也都這樣創作過。在上海油畫雕塑院美術館的“東方抽象與西方具象”譚平與卡斯特利對話展-上海站，同樣的現場繪畫，譚平與瑞士藝術家卡斯特利把展覽空間畫完之後又覆蓋掉。
之後覆蓋本身就成為了一個觀念。現在“覆蓋”和“畫什麽”都已經不再重要，概念變得模糊了。曾經有意義的，現在對譚平僅僅是一個過程。
邊緣的消解是譚平創作的核心命題之一。從2014年開始，譚平的創作開始越來越關注空間、時間、行動和在場，“場域繪畫” 成為藝術家重要的創作形式，從他曾在上海實施“白牆計劃”之後，又於香港、蘇黎世及丹麥等地的藝術機構展出“場域繪畫”。藝術家將畫室未完成的“作品”，有計劃地置入特定的展示空間，繼而在特指的“現場”,將兩面中的色塊和線條向畫外的白牆蔓延，畫面與白牆之間有縫合，也有滲透;有對空間尺度的考量，也有預謀的失控。一切皆為了開放而存在。
第三個展廳是2014年關於素描的影像《彳亍》的記錄視頻。
《彳亍》影像是2014-2015年間藝術家創作素描作品《彳亍》的記錄。該系列炭筆素描是譚平利用工作間隙或瑣碎時間完成的。他規定自己完成每張索描的時間不超過兩分鐘。這些作品如同時間碎片，記錄藝術家內心諸多微妙變化的瞬間。“沒有預設指向，任其自由生長，直至畫筆遊走至一個脆弱的瞬間與我相遇。在崩裂的塗繪聲中，線條，猝不及防的抵達，與我的內心坦誠相見。一種令人振奮的內在體驗。”譚平質疑瞬間的真實性，更信賴對時間片段的持續疊加所能成就的一種具有豐富質感的現實。而這種現實又具有某種不確定性，他相信這種不確定性，恰恰可以激發藝術家無限的生機與創造力。
此次展覽中繪畫性的比重已經很少了。繪畫、版畫之外，不僅有裝置，更多的是影像。在通道的空間有很多影像，這些影像中有獨立的作品，也有一些是之前項目重新剪輯的影像，有較多動態的因素。
譚平希望以影像的方式傳達自己的觀念，與以互動為目的的多媒體影像作品又有差異性。
“我是誰”&“我與世界的關係”
我在藝術研究院從事教學與管理工作，繁雜的事務透支了我大量時間與精力，在日經月久的磨礪中，漸漸體悟到“道即日常”，於是心平氣和地去做一個“業餘畫家”。
——譚平
譚平一直在學院從事教育與管理工作，很多藝術家深受他的觀念及工作方法的影響，並受益匪淺。
在譚平看來藝術創作最終是通過種種的媒介，認識自己，探尋“我是誰”，之後才是“我與世界的關係”。這兩件事明白了，無論使用哪種媒介從事藝術創作，方向就基本對了，不會陷入過度的“技術化”。
“德國的學院教育以藝術家個人為中心，根據你自己的需要去學習，基本上是建構這樣的一個結構。包括你選課，選什麽東西都要和你研究的東西有關，一直是圍繞這樣的一件事。在入校簡章裡的第一句話是‘你進入學校，你已經是一個藝術家，我們只為你提供更長遠發展的基礎。’”譚平在柏林藝術大學學習期間，學校並不規定必須讀某個課程，認為共同課對很多人來講是沒有意義的，他圍繞自己的創作方向，選修了博伊斯、賈科梅蒂的多門課程。
德國的大學之間也是聯合選課，為學生提供了非常好的課程學習條件，讓每個人真正能夠圍繞自己的問題、建構起來自己的知識結構。譚平接觸到的很多外國學生，“藝術創作的後勁特足，研究越來有越深度，自己的藝術建構也越來越完整。這就和他們學院教育的研究方法有關係。”
在譚平看來目前國內的學院教育還比較簡單化，總體看無論任何模式都一定是要和學生的自身發展有關係才行。
結語
在中國社會不斷激蕩變化的背景下，藝術創作也在不斷產生新的可能性，變化是常態。
從抽象藝術在中國何為，如何判斷中國抽象藝術價值的角度，譚平講道：“對於藝術家來講能否非常敏感的去感受今天社會的變化，他的作品是不是真正的表達了變化?從抽象藝術來看，是否能夠表達中國此時此刻的狀態，就像美國的抽象表現主義，是那個時代的產物。我們現在的藝術作品也同樣，無論是有形還是沒有形象，都從是否能夠把這個的時代氣息表達出來作為判斷的重要依據。”
“Duet 雙重奏”譚平回顧展相關信息：
展覽時間：2019-06-15 - 2019-09-22
展覽機構：上海余德耀美術館
開放時間：周二至周日10:00 – 21:00 (20:00停止入場)，周一閉館
展覽地址：中國上海徐匯區龍騰大道豐谷路35號
香港九龍灣馬來街興發大廈15樓D室