人對新鮮事物總是抱有探索之心，就像4月28日首場“戲遊2：無界之宴”上，250餘位觀眾第一次嘗試120分鐘“不走回頭路”的參與式觀展方式，他們的臉上既興奮又迷茫。
我們先來從一些數據了解這個展覽：在上海東岸·民生藝術碼頭10000平方米的空間裡，耗時近1年布置場景及裝置，演職參與人員近300人，展期僅10天，每天隻開設2場，每場人數限制在250人。截止4月28日晚，數據顯示所有門票幾近售空。
從“戲遊1”到“戲遊2”，擔任兩屆策展人的費俊來看：“它是由觀眾來完成的開放劇本，如果沒有觀眾參與，所有劇情都不成立。”
雖然始終將作品、空間敘事以及觀眾體驗有效編織在一起，但今年增強了身體介入主線，強調以表演藝術、新媒體作品和空間場地能量來激發觀眾參與。而兩屆展覽更清晰的啟示：“通過藝術和商業新的合作模式，能夠為藝術家提供更廣闊的實驗空間。與其說是展覽是呈現作品，不如說藝術家和策展人共同營造了讓觀眾去參與式的實驗現場。”
作為一個售票形製的藝術展，這些數據之下並沒有給展覽帶來更多的效益，為何又如此大費周章呢？MD The Art Lab發起人、展覽總策展人崔曉紅表示：“目的性很簡單，只是想要純粹地做一些對別人有價值的事情。那就是為生活在當下數字化時代的年輕人，創造一種新的藝術展示形式，讓他們能在真實虛擬中自由切換，重新喚醒大家對當下、對現場以及我們自身關係的關注。”
策展團隊提出，展覽的本質是在探討“人跟人、人跟技術、技術跟技術之間的關係”，但崔曉紅並不介意展覽被稱為“網紅展”，“藝術是精神消費品，不管是曬圈還是默默感受，只要你能從中有收獲，這件事情就值。”
另外，酷炫的多媒體裝置，多元的藝術種類，連貫的舞蹈設計，演員的無縫對接...展覽內容的豐富程度，令觀眾感歎沒有作足功課。但崔曉紅建議，“只需要帶著身體讓自己參與進來就足夠，因為今天的展覽就是基於觀眾而去設計，並不是告訴大家我是誰。”
如果以常規裝置雕塑展進入現場，或許你會失望。這些作品早已融入在場景中，你甚至不能第一時間察覺它曾經是一件獨立作品。
其中參展藝術家包括日本裝置藝術家大西康明（Yasuaki Onishi）、特邀合作藝術家冰逸、新媒體藝術家Tobias Gremmler、特邀頭飾設計藝術家隋宜達、聲音藝術家陳睦璉及“玄音”合作藝術家張建夫、南音傳承人蔡雅藝、丹麥跨界藝術家Henrik Vibskov、當代青年藝術家田曉磊、“大腦駭客”Anson Chen（陳廷）、當代裝置藝術家David Spriggs等。
展廳內容結構上則分為四幕：“穹”“道”“聞”“奧”，其中趙梁執導的“道”和Conor Doyle執導的“奧”是展覽的主要內容。我們先來劇透下，“戲遊2”是如何讓觀眾被“lost in play”。
展覽從7樓開始，這一層主要為裝置+話劇形式。“穹”作為展覽的開場序幕，由融合科學、藝術和技術而著稱的創意新媒體機構OUCHHH來操刀，帶來的作品是2017年獲得德國紅點獎的“AVA_Glass Library”。OUCHHH想在作品中傳遞，當所有事物被信息化，科技是物理世界和虛擬世界之間的橋梁還是邊界？
黑暗空間中，幾位手捧月球燈光裝置的舞者在展廳緩慢漫步，而掀起“穹”空間高潮的是巨型“AVA_Glass Library”極速變化的場景，讓人似乎正搭乘飛船，穿梭銀河去往另一個平行宇宙。整件作品視覺效果激烈、驚人又神秘，讓觀眾與真實世界隔離，準備進入一場沒有邊界的宴會。
趙梁執導的“道”是基於空間本身。建築前身為糧倉，趙梁在展廳鋪就一條80米長的演出甬道，並將青年藝術家田曉磊的《機械四面佛》打造成idol領袖，現場所有舞者都跟隨《機械四面佛》，而所有觀眾又簇擁著舞者，在沒有任何引導之下慢慢移動。
田曉磊作品中機械變成新的上帝，而這個面具就是一座橋梁。與他的想法類似，趙梁認為，人需要精神崇拜，於是工業化面具又具有宗教感的《機械四面佛》便擔任了這一角色，“以儀式感讓所有人參與進來，當現實跟虛擬、當下跟未來融合在一起時的狀態，就是“戲遊”最終想表達的概念。”而《機械四面佛》的頭飾是隋宜達以宗教為題材，表現人、神、機器的關係。
所有表演者均在甬道中完成，期間有舞者會以單人舞、雙人舞、群舞等多種形式與觀眾互動。當所有演員在不斷轉動的“法門”裡一一亮相並消失蹤影后，觀眾也可以跟隨他們穿過“法門”，然後坐下聽一段蔡雅藝演繹現存歷史最悠久的漢族古樂“南音”。
陳睦璉負責編導的“聞”，是希望喚醒觀眾的“聽覺”部分，能在聆聽中找回失落的聲音碎片，並體會到時間與空間的交錯變幻。四個圓筒空間中，觀眾從旋轉樓梯的“冰川回響”進入，聽演員們的人聲表演，接著在“空谷足音”和“膠離聲落”中自由穿行。你可以腳踩麥穗，聽通過收音而擴大的沙沙聲；或是進入放著黑膠唱盤的房間，卻只能聽見膠片摩擦的顆粒聲；還有上百個上著發條的時鐘懸掛在空中，參差不齊發出的滴答聲。觀眾可以隨意擰動，製造自己的“時間”。
陳睦璉希望，“聞”中探討的不只是聲音與空間的關係，還有聲音與聲音之間的關係。
下至一樓，David Springgs的作品懸掛在空間中，觀眾凝視深淵並墜入黑洞，從而進入另一時空，暗示下一段“奧”旅程的開始。Conor執導的“奧”不再有指向的引領觀展，而是與丹麥跨界藝術家Henrik Vibskov、當代青年藝術家田曉磊、“大腦駭客”Anson Chen（陳廷）、當代裝置藝術家David Spriggs、特邀頭飾設計藝術家隋宜達一起，在昏暗環境下營造一場“不眠之夜”。而全程通過耳機，將會有一位“聲音伴侶”陪伴接下來的40分鐘旅程。
僅兩人寬的走道、四面鏡子、藍色昏暗的光線，在“鏡子迷宮”中找到台階以為是出口，但它只是一個眺高台，一窺正迷失在鏡子裡的人。那麽從我看別人到別人看我。我們現在的生活，到底是我控？還是被控？
在一樓最大空間中，每個正上演燈光秀的糧倉漏鬥下，均擺放了一張大型圓桌，你可以隨便坐下與他們互動。有些是水池桌面上，女孩正拿著陶罐不時搗水，讓人想到了安格爾《泉》；或者進入了大型催眠現場；還有提供食物的“餐廳”；又或者隱藏在暗處的稻草人，突然伸手求抱抱。
在這裡觀眾可以自由學習一系列全新的規則，在一個極度開放的空間中充分被音樂、文字、光影暗示，與作品發生關係。這就是Conor希望的，“在‘奧’中創造一個世界，通向生活中少有的安靜。”
最後，穿過大量織物的“樹林”，走上木板橋廊來到河邊，有位風姿綽約的小姐姐為你拉開珠鏈。沿著水上木板橋繼續，找到整個展覽的出口一個5米高的滑滑梯，來喚醒身體本能，像孩子一樣生活和體驗。至此，一場“無界之宴”才徹底結束。
策展團隊（從左至右）：特邀國內知名設計師、獨立策展人薑劍；MD The Art Lab發起人、總策展人崔曉紅；中央美術學院設計學院藝術與科技專業教授、第58屆威尼斯雙年展參展藝術家費俊；中國青年劇作家尚壘
崔曉紅介紹，展覽融合多元藝術形式，而不選擇“守舊”是因為無“舊”可守，沒有框架包袱的從0起步，而“每次籌備新展，都是考慮當下年輕人正在面臨什麽問題，而當下社會又有哪些現象和熱點。”
9年前，崔曉紅以靜態的架上繪畫展介入藝術圈，後來逐漸發展為定期的“瑪麗黛佳越域精神藝術展”。2016年以後，崔曉紅開始強調美學與藝術的純粹性，並設立The Art Lab平台。“因為獨特性而被大家關注”，這是她堅持下去的動力。
雅昌藝術網對話崔曉紅
雅昌藝術網：這次展覽為什麽會選擇民生藝術碼頭？
崔曉紅：我第一次看到民生藝術碼頭時，就覺得這地方太好了。它原本是大型糧倉，其原始功能充滿了生活感，然而它的氣場又接近教堂，令人產生敬畏感和肅穆感。
其實每年做展覽最重要的事就是選址，我們在思考什麽樣的場域才能給觀眾帶來獨特的體驗感。比如，我曾想過在沙漠、海邊、樹林等地舉辦活動。因為人們離開所熟知的場景時，會打開新的感知和思維產生“熟悉的陌生感”。在日常體驗中，這種感覺很重要，而它的成立需要我們創造一個“界面”。
雅昌藝術網：展覽融合多重藝術形式，並提出讓觀眾成為主角。為什麽選擇這種方式？
崔曉紅：我一直在做彩妝行業，它的本質是創造美和傳遞美，藝術展也是如此。每個行業都需要擁抱新事物，無論是做品牌，還是做展覽，我都希望做與別人不同的事，這就是所謂的“差異性”，能確保獨特性。
現在人人都提“網紅”打卡，在我看來，這是人們審美逐步提升，需要彰顯個性、表現存在感的結果。在這樣的環境下，我們推出的展覽更要從最根本的問題出發，即什麽才是當下“美的本質”。但這個問題需要我們將其解構，比如大家普遍都用手機，隔著螢幕讓我們感覺更踏實；再如，幾乎所有人都說這是digital marketing的時代，傳統marketing已無效了。
但我卻認為，正是這樣的時代，線下的體驗感才更為重要。因此，“關係”才成為這場展覽最終探討的核心。
雅昌藝術網：在選擇和統籌藝術家方面，有哪些考量標準？
崔曉紅：從策展思維方面，我們既希望大家能感受到中國傳統文化一脈相承的美感與意境，也想探討這個時代和語境下，技術與人類個體以及兩者所在的生活存在何種關係，而兩者的內在和外部是如何互相映射與影響的。
雅昌藝術網：“戲遊”給您帶來哪些經驗？
崔曉紅：從“戲遊1”到“戲遊2”，我們堅信要有更多的互動參與以及一條敘事線來引領大家。同時，“戲遊2”的“升級”之處在於環境空間上。我想這是它與我們所熟知的浸沒式戲劇以及平日在劇場、影院中的演出的不同之處。在展覽中我們為觀眾“留白”，觀眾可以選擇“進入”也可以隨時抽離。這種主動的選擇和互動不僅是肢體上的，也是思想上的，我希望用這種態度來尊重每一位觀眾。
雅昌藝術網：我們知道本次展覽是由The Art Lab主辦，對您來說為什麽要設立這樣的機構？
崔曉紅：The Art Lab更傾向於一個“民間松散型組織”，一群熱愛藝術的人在平台上做一些和藝術相關的事。
做藝術展或藝術項目需要一個純粹的身份，The Art Lab的作用對我就是如此。我是瑪麗黛佳的品牌創始人，自帶商業身份，但我做藝術項目時希望與品牌分開，而是“乾乾淨淨”地做這些。The Art Lab 使我能夠以相對客觀的、第三方的身份去介入藝術。
雅昌藝術網：很多品牌介入藝術，選擇的路徑是與藝術家進行產品類的商業合作，您為何想專設一個藝術平台？
崔曉紅：大家對彩妝品牌的認知普遍停留在色彩、妝容、個性，這其實是很淺層的、偏重外在和風格層面的認知。事實上，彩妝的核心是創造美和傳播美。我希望它能夠真正地從邏輯裡、從核心內部開始推動，而這正是藝術能夠推動的。因此，我們聚集藝術家、設計師和其他領域的創造者，一同實現對於美的推動，而它需要一個平台來保持展覽、項目和研究的純粹性。這便是我們成立The Art Lab的初衷。
雅昌藝術網：是什麽讓您堅持下來，並且越做越純粹？
崔曉紅：以彩妝為例，我們發現它其實可以帶來不同的情緒，反映不同的內心需求，如今更多人更看重彩妝和自己的關係，它需要實質性的體驗和互動，這是大家對於彩妝、對於美的認知進階。對我而言，做彩妝已經不是為了尋求生意的發展和企業的利潤，而是為了讓更多人生活得更好，讓美和藝術得以傳遞。
我們對藝術展的理解也是如此，對藝術的投入是循序漸進、自然而然的。其實無論是做品牌還是藝術項目，傳遞美是最重要也最難的事之一。國內一線城市居民即便收入普遍不低，但依然缺乏對美的認知，也缺乏美的引領者。如今，中國有很多機會和條件去發展這些，但依然缺少平台讓更多人“發聲”。而The Art Lab讓我們看到了一些“幼苗”，也逐漸成為其中一員。
雅昌藝術網：謝謝！
為擴充內容中，展覽以“無界”為主題也面向觀眾舉辦了3場論壇，分別以“無界的展覽”來談論現場對於展覽的意義、展覽空間和公共空間的邊界問題。“無界的身體”探討後人類話題下，人與機的邊界以及身體與科技的關係處理。而“無界的舞台”中，幾位參展藝術家聊到身體作為媒介，表演藝術的場域會延伸到哪及未來舞台的拓展趨勢。
此外，4月30日至5月6日也將舉辦行為介入藝術工作坊“戲坊”公共系列活動。由“戲遊2”的主創人員主持，在展覽的場地空間與參與者現場即興互動。各個不同領域的藝術家，以不同的藝術語言激發身體的介入。在藝術事件發生的現場與藝術家一起在情景中生發行為的演化，賦予藝術展覽的“現場”更多的層次，更立體化、多感官的真實即興體驗。
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