Sir發現一個怪現象。
你隨便進一家KTV，它的熱門曲，都還停留在十年前。
以前的流行歌，大街上，電視裡，校園廣播裡，360°將你環繞。
而現在，“大家都在聽什麽（新）歌”這個問題竟然成了謎。
從此江湖上讓年輕人覺得耳熟的就只有……
抖音神曲。
即便這樣，大家也隻記住了某段bgm，很少有人聽完過整首歌，更不知道原唱歌手是誰。
華語音樂，隨著實體唱片業一起，在走向沒落。
不知道聽什麽的我們，只能找過去，找熟人——
《歌手》。
已經到了開播的第七個年頭。
最新這一季，首發請來劉歡、齊豫、吳青峰等知名歌手。
可以用“神仙打架”來形容。
雖說陣容空前豪華。
但這樣的豪華，誰又能說不透著尷尬？
看到《歌手》，Sir腦海中不時浮現起一個紀錄片的畫面——
非洲大草原的旱季。
太陽炙烤，水域面積日有所減，最後只剩下一方小小的水塘，擠滿了無處容身巨鱷……
1
確實，來到第七年，套路都是老套路了。
關鍵時刻，總要喝水。一瓶礦泉水，一喝好幾年。
但仍然也有求變。
這是音樂風格最多元化的一季，卻少有受大部分華語聽眾偏愛的流行hit曲。
比如劉歡在節目的第四期，竟然玩起了電子樂。
一首《Far Away》寫於18年前，由劉歡本人製作，融合了迷幻、搖滾、電子等多種曲風，放在現在聽都絲毫不過時。
可大眾能習慣唱電子的劉歡嗎？
從名次來看，答案顯然是否定的。
讓Sir印象很深的，反倒是他唱完這首歌，輕聲說了一句：
“這個也是劉歡。”
他這次會答應來《歌手》，只為讓大家看到他音樂的另一個方向。
但凡是比賽類音樂節目，唱嗨歌總歸是更吃香的。
歷屆歌手舞台，唱“大歌”的冠軍不少，但這一季它開始懂得——
收。
吳青峰在開展新人活動前，曾包攬蘇打綠專輯大部分的詞曲創作，風格不一而足。
有人曾整理過他的音域，能唱二十六度音程，橫跨三個八度。曾經在台北小巨蛋唱過《Creep》，能達到C6，即比我們通常所說的high C還高一個八度。
這次登上歌手舞台，目前為止，他無一例外全選“小歌”，原創的《燕窩》和《未了》，都並非專輯內的熱門曲目；
翻唱孫燕姿的《逃亡》、楊乃文的《Silence》、汪峰的《地心》，也都不是原唱歌者傳唱度最高的金曲。
他把在《歌手》唱的每一首歌，當做在做一張概念專輯。
分則自成方圓，合則內有乾坤。
比起靠澎湃的聲場震撼聽眾，他更看重的，是與人內心情緒的共鳴。
湖南衛視也懂得趁勢而為。
《聲入人心》火了，就順帶來《歌手》聯動。
踢館歌手的聲入人心男團，在第七期演唱了由三寶老師創作、中國現代經典音樂劇《蝶》的選段《心髒》。
這種藝術表演形式被搬上歌手的舞台，還是第一次。
這曲詠歎調，唱盡了梁山伯被蝶人判死刑後，梁祝二人的離愁別緒。
他們不僅唱，還賦予表演以遞進和反差，以熾熱的心髒，唱海水的冰涼。
《歌手》走到第七年，保持了其慣有的水準，並肉眼可見地求新求變，可惜觀眾並不買账。
爭議在於兩個字——
排名。
2
排名之爭，集中在兩個名字：齊豫和楊坤。
齊豫竟然倒數？
楊坤兩場第一可還行？
齊豫演唱的《飛鳥與魚》，是華語樂壇最經典的歌曲之一，卻跌落倒數。
同樣可惜可歎的還有《今世+不曾告別》。
《今世》由三毛作詞，是她寫給逝去愛人荷西的歌。
齊豫借舞台追憶三毛，唱盡血淚沾襟的永恆情話。
同一條手帕
擦你的血
濕我的淚
就這樣跟你血淚交融
而《不曾告別》則唱齊豫對三毛的愧疚，唱她對曾鼓動好姐妹去剖開痛苦回憶的悔。
這種編排，在生者與逝者中間搭建起傾訴空間，卻也因更為作者性，更私人化，而容易忽略旋律上的大眾化，忽略與現場觀眾的共情。
這也讓我們去正視一個現狀：
觀眾的耳朵被有現場感的嗨歌慣壞。
藝術化表達被商業化擠壓到，須得踮起腳尖歌唱。
劉歡在不知道選什麽歌時，曾給女兒打了一個“求助”電話，女兒勸老爸：
反正你也不用迎合觀眾，要信任觀眾。
但，作為觀眾的我們，擔得起這份信任嗎？
觀眾看著“導師”們在台上像選手一樣pk。
也應該想想，自己對藝術的理解、包容、敬畏，配不配得上藝術家付出的努力。
無論是聽眾對聽眾，還是聽眾對歌手。
有人由通俗走向小眾，自然也有人由獨立走向主流。
曾做獨立樂團主唱的吳青峰，來這個節目前，也經歷了一番思想鬥爭，最後讓他說服自己的，是去了解這個世界的渴望：
從去年開始，走出了舒適圈，嘗試了許多沒做過的事，才發現，過去僅僅因為一個觀點去判斷事情，恐怕不知不覺成了偏見。擺出一些“我隻選擇什麽什麽”的姿態，難免變成那種說得清高的人，有些話也只是說起來很帥而已，不希望自己連嘗試的勇氣、走一遭了解了再判斷的立場都沒有。
他們在向大眾邁出一步的同時，你是否願意也邁出一步，去擁抱他們的變化？
3
更多的觀眾對藝術家的改變，以及非大眾藝術的傳播，還是持鼓勵態度的。
去年大熱的美聲競演節目《聲入人心》就是最好的證明。
之前在國內被劃入冷圈的音樂劇火出了圈，鄭雲龍的音樂劇甚至在開票一分鐘後即售罄。
他曾在微博上寫：
這一分鐘，我等了十年。
然而市場的應激反應，很快也給鐵粉帶來了不適感。
上周，鄭雲龍主演的《謀殺歌謠》北京場開票，票價最低380，最高880。
而同樣的劇目之前在上海，最高票價不過260。
劇場條件不變，演出內容不變，票價卻是水漲船高。
而在美國百老匯和倫敦西區，相關機構會扶持演出，不管是多麽大牌的演員來演出，票價都會保持在同一水準。
這就是一個社會對藝術的“定力”。
演員們拚命研究如何讓音樂劇更好地進入人們的生活，與此同時，資本迫不及待地開始割韭菜。
用貪婪世俗的目光去打量藝術，總格外令人心痛。
寫《聲入人心》時，Sir說過，隻願世人不負他們的光芒，不負他們的熱望。
《歌手》也是一樣。
齊豫也放著成名曲不唱，去唱《今世》和《飛鳥與魚》。
吳青峰沒有選更炸裂的搖滾，去唱更安靜、需要耐心傾聽的《未了》和《燕窩》。
劉歡如果去唱那些大眾熟悉的金曲，可以一路唱成冠軍，但他選擇了另一種的“這也是劉歡”。
讓每位藝術家發光的東西，不一定都是我們最熱切要看到的。
反而是那些猶豫再三，最終還是毅然示人的部分。
那個部分凝結了所有執拗與倔強，有掙扎，還有裂縫，是他們未曾端頒布面的心血。
這份心血，都值得被呵護。
嗤笑怒罵，自有人賞得。
我相信，熱愛這件事最終的結局，會不負熱愛。
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編輯助理：布拉德特皮
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