本文作者來自我們韓國特約作者喬麥，就讓人在韓國的她，跟大家一起聊聊李滄東這部新片吧。
(提示：本文無嚴重劇透)
今年可以說是坎城電影節的“大年”了，佳作頻出，前方傳回的場刊分數和評價每天都在刷新影迷的期待值。特別是李滄東導演的《燃燒》，獲得了坎城場刊有史以來的最高分：3.8。（滿分4）
《燃燒》創造坎城場刊評分新紀錄
同時，出於對李滄東導演一直以來的愛，內地觀眾對本片的關注度也非常高，豆瓣雖然只有幾百人看過，評分也高達8.9分，不知之後會不會延續。
當然，參考李滄東導演之前作品的評分，這次倒也不算讓人意外。
然而，這部大熱的韓國電影，在坎城的表現，並沒有預期那般理想。即便媒體、影評人、觀眾，都對這部影片讚賞有加，但是，本片卻在主競賽單元顆粒無收。最終，隻拿到了影評人頒發的費比西獎。
而算上時差，《燃燒》在韓國的首映時間隻比坎城晚了半天，排片也很多。我們的喬麥同學，在上映第一天就連著刷了兩遍，接下來，也來分享下她的感受，聊聊這部電影，到底怎麽樣。
在第一次看的過程中，感受到了太多的衝擊和震撼；第二遍看的時候，著重關注了影片的細節部分。
看完之後，甚至產生了一種“大徹大悟”的心情。
《燃燒》其實算是一部懸疑題材影片，改編自村上春樹短篇小說《燒倉房》。原著很短，快的話其實你用十五分鐘就能讀完。
電影的前半部分沿用了原著，作為懸疑故事的謎面。後半部分是原創，添加了原著中沒有的內容，讓“倉房”這個意象有了更明確的指向，裡面傳達的情感，也就更加豐滿了。
誰燒的倉房？為什麽燒倉房？“倉房”在哪裡？指的真就是倉房麽？
通過探究謎底，電影想傳達的情感匯攏到了一個明確的出口。
有影評人評價該片是“村上春樹小說改編電影成功的首例”，我想這部電影完全擔得起這個評價。
在片中，劉亞仁飾演年輕人“鍾秀”，也就是原著中的“我”。
小說中，“我”是一個有家室的小中產階級形象；但在電影裡，鍾秀是一個大學畢業後無依無靠，沒有人生方向的青年。
全鍾淑飾演鍾秀的舊識“惠美”，她和鍾秀一樣，離開家庭獨自生活，靠打零工為生。
惠美攢足了一筆錢去肯亞旅行，在旅行時結識了一個神秘的富二代“本”（史蒂文·元 飾演）。惠美回到韓國的那一天，鍾秀興衝衝的去機場接惠美，不想遇上了“本”的出現。
“本”是一個熱情大方的人。
他邀請惠美、鍾秀去自己的高級公寓，親自下廚。他的一舉一動看上去都是那麽文質彬彬，無懈可擊。
原本，獨來獨往、活在社會底層的“邊緣青年”們就此生活下去，生活可能也就不過如此，可他們偏偏遇上了“本”。
當鍾秀面對“本”，他敏銳的感受到了彼此不在一個話語體系裡的差異感。他的感情遭到了無情的“降維打擊”，他的每一句話，每一個動作都被消解於無形，好像砸在棉花上的拳頭，迷茫、混亂，憤怒卻找不到方向。
在鍾秀的鄉下老家，“本”望著鄉間隨處可見的“倉房”（實際上是塑料大棚），告訴鍾秀，自己有一個獨特的愛好：“燒倉房”。
幾天之後，鍾秀與惠美失去了聯絡。
驚悚懸疑的故事就從這裡開始……
李滄東導演在接受採訪的時候說：“不管國家、階級、宗教，現在的人們都有著各自憤怒的理由，其中年輕人的憤怒特別成問題。韓國社會的兩級分化現象很嚴重。青年一代正忍受著很多難題，特別是因失業而引起的各種問題。面對不見好轉的境遇，他們失去了所有期待，但怒火又無處可泄，他們的內心被無力感深深地籠罩。”
那麽，當代青年的這種無力感，無處可泄的憤怒的根源來自哪裡？
正是來自這部電影中，隨處可見的“階級差異”。
電影裡，“本”的座駕是保時捷911，鍾秀開一輛彌漫著牛糞味道的小貨車；“本”生活在江南區地價昂貴的高級公寓，惠美蝸居在破舊的單人間。
你以為這就是差異？不是。
知書達理如“本”，從不自誇吃穿用度高人一等，大家吃完的鍋碗瓢盆他一個人收拾，他甚至還願意和鍾秀共享一個關於“燒倉房”的秘密。看起來好一個平易近人的富二代形象吧。
但是，“本”有一個常常掛在嘴上的一個詞：“??”（有趣）。
旅行、派對很有趣，和惠美在一起是因為她很有趣，聽到到北韓的對韓廣播覺得很有趣，燒倉房也是為了有趣。
對他來說，“玩和工作並沒有界限之分”，反正萬事萬物都是比較有趣所以拿來玩玩的。平凡人奮鬥一生都未必能得到的社會資源，在他看來如同探囊取物。
這也造就了“本”病態的心理：整個世界對他而言都只是玩物而已，包括活生生的人。
同樣是在肯亞旅遊，惠美攢了很久的錢，欠了一屁股卡債才得以去成。
看起來惠美好像和“本” 看到了一樣的肯亞風景，困在同一個機場，搭了同一班飛機回國，進了他的社交圈，成了他的女伴。
但這一切不過就是出租房裡一天只有一分鐘的陽光，轉瞬即逝，而且就連這個陽光，還是南山塔玻璃鏡面反射進來的，不是真的。
大家一起生活在現代化、國際化的都市，享受著四次產業革命帶來的便利。可是，對平凡的卑微的人來說，這個看起來無比公平的世界就像一個解不開的死循環，無論怎麽努力都走不出去。
因為走不出去而感到憤怒，卻又不知該上哪裡找誰發泄憤怒，因此更覺得自己無能為力。
除了村上春樹的《燒倉房》，《燃燒》還借鑒了美國作家威廉·福克納1939年創作的短篇小說《燒馬棚》，借鍾秀與父母故事的再現了《燒馬棚》中的父子關係。
如果說村上春樹的“倉房”沒有實際對象，那麽福克納的“馬棚”，就是指對現實的憤怒。父親用燒馬棚的方式解決一切社會衝突與矛盾，並將這種憤怒的意識轉移到自己兒子身上。
鍾秀圍觀了兩次父親的審判，眼睜睜看著父親入獄；十年沒見的母親來找自己，結果明裡暗裡開口要錢。一雙羸弱的、劣質的父母成了點燃鍾秀憤怒的最後一根稻草。既然憤怒無解，不如一把燒成灰燼，再次強化了這種無法逆襲的階級差異感。
不過，如果要說我為什麽喜歡這部電影，可能是因為它雖然傳達著現實的主題，但拍攝手法特別的精彩。攝影，配樂，美術，每一個環節都十分出色。幾個跟車追蹤的長鏡頭調度流暢高超，看得當時不覺得多麽驚豔，反倒是看完之後讓人久久回味。
演員方面，劉亞仁和史蒂文元的演技自然不必說，女主全鍾淑也是千里挑一海選出來的新人。尤其是，導演還給演員們都各自設計了非常突出的時刻。成為片中讓人念念難忘的瞬間，比如劉亞仁的燒衣服，女主在夕陽下舞蹈，都是夢幻般的瞬間。
特別是劉亞仁，很明顯的，當他手上有一定資源，有選擇劇本的余地之後，他著力出演了很多更有社會意義的作品。電視劇《六龍飛天》《密會》《芝加哥打字機》，電影《優雅的謊言》《思悼》都是如此。
可惜的是，正因為出色的美術、攝影和配樂，這部電影如果不在大銀幕上看的話，會損失很多，電腦和電視機螢幕不能表現其萬一。
另外，加起來有四場戲是青少年不可觀看級別，大約共計十分鐘，在內地上映也許不太現實。
但還是推薦大家，有條件的話，去香港、台北，或是其他地方看一次，在一個比較好的電影院的觀影條件下，集中的，不受干擾的看完整部電影，對電影中傳遞的，刻骨無言的憤怒，一定會有很深刻的感受。
在李滄東導演的作品中大多都有宗教的登場。
《綠魚》裡，教會的神職人員勾引有夫之婦，《綠洲》、《薄荷糖》裡也有反覆出現的禱告場面。
這三部作品對宗教只是有所涉及，最明顯的是《密陽》，宗教是一些人的避風港，也被另一些人當成工具，《密陽》通過基督教展現了“怨恨”和“寬恕”的兩種人性。
《密陽》
《燃燒》中依舊有宗教的隱喻出現。攝影特別給了教堂的彩繪玻璃花窗“聖母抱嬰圖”（聖母子圖）大概兩秒的鏡頭。
教堂的彩繪玻璃花窗出現在早期基督教時期。當時羅馬帝國的貴族追求權力，財富，肉體官能各種無止盡的享樂。因此，最初的基督教是窮人、受壓迫者的信仰。
當時，哥德式建築的飛扶拱代替了牆壁承重的功能，拱與拱之間不再需要承重，所以才出現了彩繪玻璃花窗。玻璃花窗迷離的彩繪透過陽光，造成神秘的影像和光線，成為一種莊嚴華麗的宗教藝術。
一座又一座大教堂在人世間虛擬了天堂的神聖和崇高，宣揚現世的辛苦是為了死後在另一個世界求得榮華的補償。
在黑暗的中世紀裡，宗教藝術遺留下了驚人的文化遺產，直到今天還在被人瞻仰。但不可否認的是它加速了階級的對立，阻礙了人的覺醒和現世的進步發展。
我們現在也差不多，特別是韓國，很清楚的可以看到，有一些人越過越好，另一些人越過越差；享受到發展紅利的人，和沒有享受到紅利的人，形成了鮮明的二元格局。
“有一些人”和“另一些人”的周邊都是差不多的人，所以有的人在江南區滿眼看到的是蒸蒸日上，有的人在邊境線上覺得江河日下。他們的對話體系漸漸分離，明明活在一個時空裡，但彼此想要進入對方的堡壘裡越來越難。
網絡上的怨氣和現實中的戾氣都不少。這種怨氣不是因為對立的雙方互相不理解，只是一種單純憤怒的發泄而已。這就是階級差異的雛形。若乾年後，就像《燒馬棚》裡說的那樣，父輩們的差距會在我們這一輩再次重複，放大。
而這種差距，和與之而來的憤怒，仿佛再怎麽掙扎都無濟於事。
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