最近看了一個很有意思的畫展，迫切地想要跟大家分享！話不多說，上圖
山石系列43號 2011
山石系列9號 2012
山石系列18號 2014
山石系列4號 2018
古樹系列2號 2017
古樹系列19號 2017
這些畫均為中國傳統繪畫中的常見主題，山石、樹木，但是又與傳統水墨繪畫有許多的不同。首先，其實它們並非水墨畫，而是【布面油畫】。創作者別出心裁地選擇了油畫材料，並且呈現出了水墨畫的氤氳輕盈的質感。
油畫相對於水墨的優勢就在於顏料可以不斷疊加，某個地方畫得不好可以糊上顏料重新來過，可以精確把控每一個細節，如果近距離看畫，還可以看到顏料堆砌得高低起伏的樣子。
梵高《向日葵》的顏料厚度
而水墨幾乎是一筆定乾坤，沒有太多修改的機會，非常考驗畫家對墨、水、宣紙三者的總體把控。
齊白石的蝦總共就幾筆，卻不是誰都能畫出來
從展出的油畫的細節可以看到，創作者沒有受到油畫的套路影響，顏料鋪得很薄，用筆乾脆果決，沒有堆砌、修補的痕跡，完全當作水墨畫在創作的感覺，甚至模擬出了水墨畫的乾濕濃淡、墨分五色的特質。
這是既需要功力，也需要膽量的一件事，也是萃花非常佩服的一點。
局部細節放大
如果用中國畫得寫實、寫意的標準，那麽這些畫顯然是寫意的。無論是形狀不明晰的山石，還是枝乾奇詭的古樹，都並沒有照搬自然界的山石、樹木原本的樣子。
畫面中那種氤氳著水霧的感覺，更像是提煉出了自然界的總體意象，呈現的不是明確一塊石頭或一棵樹的形象，而是一種大自然的共同的肌理，是我們想到山石、古樹時，浮現在腦海裡的模模糊糊的感知。
畫出一個具體的物象不難，難的是畫出一種意象和神韻。因此早在南朝，中國畫家提出了繪畫最重要的標準就是“氣韻生動”。
六法者何？一氣韻生動是也，二骨法用筆是也，三應物象形是也，四隨類賦彩是也，五經營位置是也，六傳移模寫是也。”——謝赫《古畫品錄》
“氣”，是指自然宇宙生生不息的生命力；“韻”，指事物所具有的某種情態。這些畫對自然之物的巧妙的捕捉，就傳遞出了一種氣韻。
借這個畫展，萃花還想說點關於藝術邊界的問題。
我們總是太喜歡分類，這是國畫，那是西洋畫，這是古代藝術，那是當代藝術，這是傳統，那是外來文化……有了分類，就容易出現隔離和對立的心理。
於是在許多人認知中，畫國畫的就是古代山水花鳥，搞當代藝術的都很洋氣，不用毛筆寫的不叫書法，中英文夾雜就是不尊重傳統……
當代藝術四大天王徐冰的“天書”就經常被質疑
藝術是人類想象力的創作產物，如果一定要加上這麽多條條框框自我束縛，想象力又該如何放飛？
就比如展覽的這些油畫，按材料來說它無疑是西洋畫，但畫的仍是傳統國畫的神髓，那它到底是洋畫還是國畫？什麽都不是，我只知道它就是畫，是一種藝術創作。
其實藝術史上那些偉大的靈魂，都是不拘泥形式，不固守邊界的壞孩子。明末清初的“四僧”、清中期的“揚州八怪”按當時的標準都是一群非主流，19世紀“印象派”一詞本身來是評論家嘲笑他們不會畫畫的黑稱。
莫奈《日出·印象》
我知道我們的粉絲都是熱愛藝術的人，大多數人是業餘揮毫弄墨，怡情養性，也有人是真正吃藝術這口飯的。
我想對這小部分朋友說，請保持你們對藝術的激情與自由，創造更新的更有活力的藝術形式，不要理會圍觀者的批評嘲笑，他們只是站在一個安全的位置旁觀，根本連衝破邊界的勇氣也沒有。
最好的藝術，就是從你們的勇氣中萌芽的那一種。
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